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sábado, 7 de octubre de 2017

Contrapunto: Síncopas

El tratamiento de las disonancias en cualquier pasaje musical es algo esencial. Entre otros recursos que aportan variedad es la síncopa.
Una norma general es que la duración de la síncopa ha de ser igual (o menor) que la preparación. No conviene que la preparación sea de menor duración (por motivos estrictamente rítmicos). En todos los ejemplos que expondremos a continuación son ambas -preparación y síncopa- de igual duración.



Entre la disonancia de síncopa y su resolución se permite una interpolación (que no tiene por qué pertenecer al acorde siguiente, es de uso libre).


Durante la interpolación puede aparecer otros recursos (cuidando de no entorpecer el conjunto): floreos, anticipaciones o notas de paso.


En el contrapunto a 3-4 voces hay que cuidar de no sobrecargar de contenido los pasajes. Un diálogo coherente da equilibrio al conjunto. Por ejemplo: una voz en valores de negras mientras la otra en valores largos (blanca-redonda). O bien, dos voces dialogan y una tercera voz marca el bajo con notas largas, etc. 

En el siguiente pasaje cadencial aparecen distintos detalles bien diferenciados ya mencionados, incluida la síncopa.


domingo, 1 de octubre de 2017

El modo mayor mixto.

Hasta ahora nos hemos desenvuelto dentro de una órbita tonal reducida:

a) El modo mayor circunscrito a su escala básica.
b) El modo menor que se deriva de su escala básica, ampliado con el empleo, restringido y en concepto de notas auxiliares, de los grados VII natural (no sensible) y VI elevado.

Pero la concepción moderna se desenvuelve teniendo en cuenta las máximas posibilidades de la Tonalidad cromática.

La primera ampliación tonal de que, sumergiéndonos ya en los dominios del cromatismo, es aquella en que el musicólogo Gevaert denominó "Mayor mixto", y que explica así:

"Considerando como tonalidad fundamental de una obra musical un tanto desarrollada, el modo menor ha visto gradualmente disminuido su uso después de la época de Bach y de Händel. A medida que esto ha ido sucediendo, el modo mayor, en cambio, ha ensanchado paulatinamente sus dominios y dejado sentir su soberanía, mezclando a sus armonías propias, claras y enérgicas, los acentos ensombrecidos del modo menor. Nuestro Mayor actual se apropia a voluntad no solamente todos los acordes del Menor integral, sino también sus alteraciones cromáticas. [...]. No se trata de acordes nuevos. Lo que cambia y resulta suficiente para modificar el efecto característico de las mezclas armónicas, es el sistema tonal que las encuadra y gobierna el discurso polifónico" (Zamacois, II, pág. 156).


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Hasta aquí las citas de Joaquín Zamacois de su Tratado de Armonía. Ahora bien, ¿A qué se refiere Gevaert con el sistema tonal que gobierna sus elementos?

Sin duda, uno de esos elementos son las "funciones tonales", como por ejemplo las funciones  principales de: Subdominante, Dominante, Tónica. Pero sin olvidar las funciones secundarias, como: mediante, submediante, subtónica, supertónica, mediante bemol, etc. (ver funciones tonales y regiones)

Para conocer exhaustivamente este sistema mixto es necesario profundizar no sólo en la propia interválica de ambos modos, sino en las distintas "tonalidades" de las que de ella (la interválica) se derivan.

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Son 5 las tonalidades vecinas, aquellas que tienen una alteración en "+" y una alteración "-" respecto a la tonalidad principal (el VII -sensible- no puede ser centro tonal debido a su 5ª disminuida, pues su naturaleza disonante le impide ser centro de reposo).

(Pulsar en la imagen para mejor visualización)



Veamos el modo menor "relativo":



Nótese que el V corresponde a la tonalidad de Mim, puesto que si consideramos este V con su sensible nos iríamos a MiM (4 sostenidos), demasiado lejos para una tonalidad vecina. 


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Ahora bien, los dos gráficos anteriores se enmarcan dentro de las tonalidades principales "relativas" (DoM y Lam), en cambio, el modo mayor mixto enmarca las dos tonalidades "homónimas", es decir: DoM y Dom.

Veamos sus relaciones interválicas:



Estas relaciones interválicas repercuten en las relaciones entre sus tonalidades. Así, podemos decir que:

- MibM es la mediante bemol de DoM.
- LabM es la submediante bemol de DoM.
- SibM es la subtónica de DoM.
- Fam es la subdominante menor de DoM.
- Solm es la dominante menor de DoM.

(nota: los acordes que contienen 5ª disminuida son problemáticos en su posible función de centro tonal)

domingo, 24 de septiembre de 2017

Funciones tonales y "regiones"

En su Funciones estructurales de la Armonía (1993), Schoenberg aborda las relaciones armónicas mediante regiones tonales subordinadas a la supremacía de la tónica. Los elementos integrantes de la tonalidad adoptan categorías funcionales específicas, pudiendo afianzar o debilitar la supremacía de la tónica. Estos alejamientos o digresiones temporales pueden mantener un vínculo, por muy lejano que sea, con la tónica principal mediante las regiones. Veamos la tabla de los grados (Schoenberg, 1993: 20):


Los símbolos en mayúsculas y minúsculas hacen referencia a mayores y menores. Pero también se añaden el signo "b" (bemol) en ciertos casos. Por ejemplo: al VIIb en el menor lo llama Subtónica (SubT) o al IIb denominado napolitana (Np). 

Así, se habla de Mb (mediante bemol), sd (Subdominante menor), d (dominante menor), etc. Todo ello nos servirá para identificar aquellos pasajes (de una obra más o menos extensa) con la tonalidad principal. 

sábado, 16 de septiembre de 2017

Sinfonismo preclásico

Preclasicismo. Un poco de historia.
La sonata clásica (y de forma similar, la sinfonía y la mayoría de los tipos de la música de cámara), tal y como se la encuentra en Haydn, Mozart y Beethoven, es una composición en tres o cuatro movimientos (a veces dos) de atmósferas y tempos contrastantes.

Sinfonismo preclásico
Tanto las sonatas para teclado como las composiciones orquestales de forma similar de comienzos del siglo XVIII estuvieron bajo la influencia de la obertura italiana (sinfonía), que hacia 1700 asumió una estructura de tres movimientos en el orden [rápido-lento-rápido].

La orquesta sinfónica
Durante el último cuarto del siglo XVIII, la sinfonía y otras formas de música para conjunto fueron desechando gradualmente el bajo continuo, ya que todas las voces esenciales fueron asumidas por instrumentos melódicos. Con la desaparición final del clave, hacia finales de siglo, la responsabilidad recayó sobre el violín principal. La orquesta del s. XVIII era mucho más pequeña que la orquesta actual... (p. 575). (...) A mediados del s. XVIII el peso del material musical se le adjudicó a las cuerdas, mientras sólo se utilizaban los vientos para reforzar, duplicar y proporcionar las armonías. (...) Al avanzar la centuria comenzó a confiarse a los instrumentos de viento material musical más importante.

Sinfonismo en Italia
Tanto las sonatas para teclado como las composiciones orquestales, estuvieron influenciadas por la obertura de la ópera italiana (sinfonía) que hacia 1700 asumió la estructura en tres movimientos “rápido-lento-rápido”. Las oberturas, por lo general, eran piezas independientes respecto a la ópera, y se podían tocar como piezas independientes. Y alrededor de 1730 los compositores italianos comenzaron a escribir sinfonías de concierto en las que empleaban el plan general de las oberturas operísticas.


  • Tartini
  • Sammartini
Sammartini. Sinfonía nº 32 en Fa mayor. Primer movimiento.


Uno de los primeros sinfonistas fue G. B. Sammartini (1701-75), de Milán. Compositores de Alemania, Austria y Francia pronto siguieron el camino trazado por los italianos, y hacia 1740 la sinfonía sustituyó al concierto como forma principal de música instrumental concertada.

“Algunas de las obras que compuso entonces tienen una “sección de desarrollo” de un tipo muy especial. Hay que ejecutarlas piano con una orquesta reducida, en contraste con el invariable forte de la exposición y la recapitulación (...) en los ocho primeros compases del “desarrollo” el tema inicial aparece ejecutado en la dominante (...) luego, en la tónica menor, viene un pasaje en piano con reducción de la orquesta y una textura más delgada (supresión de los bajos). Estas características hacen que B (desarrollo) pertenezca a la parte central de una estructura ternaria (Charles Rosen: Formas de Sonata)


Sinfonismo en Alemania

Mannheim
Bajo la dirección de Stamiz, la ciudad cobró renombre en toda Europa. Una de las características fue la extensión de la dinámica, desde un pianísimo a un fortísismo. Y el estremecedor sonido de los crescendos, transiciones graduales. Sustitución definitiva del clavicémbalo por el pianoforte (p. 570).
  • J. Stamitz (1717-57) 

Johann Stamitz Symphony in E flat major, Op 11, No 3 I Allegro assai

Viena
  • A. Filtz
  • F. X. Richter
  • J. Holzbaver
  • C. Cannabich

Esta escuela es el antecedente inmediato de las obras de Haydn, Mozart y Beethoven. Prefiguran el agradable lirismo típico vienés y el buen humor del lenguaje de Mozart. En su mayor parte, los compositores vieneses elevaron a la cumbre los grupos temáticos contrastantes en sus movimientos en la forma sonata.

  • M. G. Monn 

  • G. C. Wagenseil

Georg Christoph Wagenseil. Symphony in D major (WV 374, D10)


Berlín
Los alemanes del norte fueron conservadores, mantuvieron la estructura tripartita de la sinfonía, y reacios a introducir contrastes temáticos en un mismo movimiento. Sin embargo fueron ellos quienes iniciaron la técnica del desarrollo temático orgánicamente unificado.

  • C. P. E. Bach 
  • J. G. Graun 
  • C. H. Graun


Preclasicismo en España
  • Boccherini
Trabajó principalmente en Madrid. Fue un distinguido compositor de música de cámara. El cuarteto de cuerda llegó a convertirse en un medio habitual. Boccherini compuso 140 quintetos de cuerda, 100 cuartetos de cuerda y 65 tríos para cuerda, además de otras piezas camerísticas y orquestales.



Luigi Boccherini: Minuetto

  • Doménico Scarlatti
En 1720, D. Scarlatti abandonó Italia para ingresar al servicio del rey de Portugal. Cuando su discípula, la infanta, contrajo matrimonio con el príncipe Fernando de España en 1729. Scarlatti la siguió a Madrid, donde permaneció el resto de su vida al servicio de la corte española y donde compuso la mayor parte de sus 555 sonatas. Sería injusto no mencionar la influencia del folklore español en la música de Scarlatti.


D. Scarlatti, Sonate K.141 - Martha Argerich


Preclasicismo en Italia (teclado)

  • Doménico Scarlatti
  • B. Galuppi
  • J. B. Platti
  • J. M. P. Rutini
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Fuente: Historia de la música occidental, D. J. Grout y C. V. Palisca.

El Aria


Aria (del francés antiguo air, manera) se denomina en los siglos XV-XVIII a una fórmula de bajo cadencias que, constantemente reiterada, constituye la base de variaciones (basso obstinato): Aria di ruggiero, Aria di Siciliano, Aria di Romanesca, Folías, ciaccona, etc. Estas estructuras servían para la improvisación como para la composición: Como bajo de danza, como modelo de variaciones o como bajo de canción.
En el Aria de ópera primitiva (un recitativo sobre bajo continuo u orquesta) se caracteriza por una melodía expresiva (uso de disonancias) y libre en el aspecto formal. En la ópera burguesa veneciana del siglo XVII se produce cierta tipificación de las arias (amplia producción). Son piezas en forma de lied (canción) de conocidos ritmos de danza. 
Además de la aparición de los ritornellos orquestales entre las estrofas y con el florecimiento de la ópera napolitana, el Aria da capo bajo (Alessandro Scarlatti, 1660-1725) se convierte en la forma principal de aria del Barroco. Casi todas las arias de Bach y Händel son arias da capo. (Ulrich Michels, Atlas de música, I)


Aria estrófica
A, A, A, A.....

FRANCISCA CACCINI, 'Romanesca' (Il primo libro delle Musiche)


Frescobaldi - Aria della Romanesca



Vi ricorda, o boschi ombrosi - L'Orfeo - Claudio Monteverdi


Aria en dos secciones
A, B

D. Scarlatti. Sonata K 32, L 423 - Aria


Aria da Capo

A, B, A1
(tipo ternario re-expositivo)



A1, A2, B, A1, A2


domingo, 6 de noviembre de 2011

Contrapunto imitativo a 2 voces

En el Contrapunto imitativo hemos de aprovechar los conocimientos de Armonía en cuanto a los grados tonales y a las disonancias. En el ejemplo de abajo, la melodía del soprano ocupa dos compases y le llamaremos motivo, mientras que la voz inferior le podemos llamar contramotivo. Trataremos como hasta ahora un acorde por compás y prescindiremos por ahora de las modulaciones.

Con estos dos elementos (motivo y contramotivo) podemos ya crear frases y semifrases. Se trata tan sólo de copiar y pegar, aunque esto no está exento de dificultades:

  1. Hay que confeccionar el motivo y el contramotivo.
  2. El final del motivo y el principio de la primera repetición han de encajar correctamente sin faltas.
  3. La repetición puede ser a intervalos regulares: muy común es el de 5ª o 4ª, y también los de 3ª y 2ª. Más que nada para evitar grandes saltos.


Abajo tenemos una respuesta a la frase anterior. Fijaos que con los mismos elementos anteriores y buscando el enlace de unión apropiado entre finales y principios de frase ha encajado perfectamente. La idea es que la melodía que se presentó en el soprano pase ahora a la voz inferior y viceversa. Para ello me ha venido bien el separarlas una octava para evitar el cruzamiento de las voces (mientras no me pase de tesitura, todo va bien).


La norma de no realizar "acordes de 6/4" no es por casualidad. En realidad el cambio de voces es un contrapunto invertible, y el no utilizar acordes en segunda inversión facilita este intercambio de voces sin caer en faltas y asegurarnos siempre el buen uso de la disonancia.

Espero que estos ejemplos os sirvan de ayuda a vuestros ejercicios.

viernes, 14 de octubre de 2011

El substratum armónico de ciertas melodías



En clase hemos planteado la composición de una melodía partiendo de una base armónica preestablecida a modo de un ejercicio armónico en estilo vocal (tipo coral). En el siguiente ejemplo, se ha realizado el proceso contrario, es decir, una reducción armónica de las voces (ver órgano) respetando las tesituras y omitiendo retardos, etc. El resultado de esta reducción es un sorprendente equilibrio de los enlaces armónicos y de la marcha de las voces. Pareciera como si el compositor tuviera en mente una estructura armónica ya preestablecida para la composición de las distintas melodías.




miércoles, 12 de octubre de 2011

Accesorios para clase

Para una buena organización del cuaderno del alumnado es recomendable los siguientes accesorios:

- Un lápiz normal o portaminas (1.5 de dureza aproximadamente.).

Una goma de borrar (blanda), un sacapuntas si es necesario y varias hojas o una libreta de papel pautado para uso personal (que el profesor proporcionará).

Opcionalmente una regla de plástico flexible, no menos de 15cm ni muy larga, no más de 20cm.